Graphisme illustration - Carolus

Vampire Knight : le shôjo manga au goût de sang

samanga — Sat, 18 Oct 2008 17:02:00 +0100

Les dernières séries que nos éditeurs français nous ont dénichées au pays du soleil levant sont toutes d'excellentes surprises (Skip Beat, Le Sablier, Comme elles, etc...). Toutes présentent des caractéristiques jusque là inédites : il semblerait que les codes du shôjo manga soient en train d'évoluer.

Finies les séries mièvres où l'histoire ne tourne qu'autour d'un couple ! Faîtes place à des histoires où l'accent est porté sur la psychologie et l'évolution des personnages. Dans ce contexte de renouvellement des genres, Matsuri Hino va encore plus loin. Cette auteur était déjà réputée pour transporter ses lecteurs dans des mondes inconnus (Meru Puri paru chez Panini) mais avec Vampire Knight (paru lui aussi chez Panini) elle pousse le concept encore plus loin, allant jusqu'à flirter avec les codes propres aux shônen.

Mélanger subtilement sentiments, personnages sombres au passé tourmenté et hémoglobine, c'est du grand art !

Par une froide nuit d'hiver, une enfant est sauvée in extrémiste des crocs d'un vampire assoiffé de sang par un autre vampire nommé Kaname Kuran. Cette petite fille sera ensuite adoptée par le directeur d'une école pas comme les autres : l'académie Cross. Deux classes s'y succèdent tour à tour : une le jour et l'autre la nuit. Les élèves de la night class sont tous beaux et fascinent ceux de la day class. Pourtant ils ignorent que derrière ces visages magnifiques se cachent des vampires. Yuuki Cross, la fille du directeur et Zero Kiryû, un enfant qu'il a recueilli sont tous deux chargés de discipline. Leur rôle est de protéger ce secret. Yuuki prend son rôle très à cœur car elle croit en la coexistence pacifique entre les deux races. Zero, par contre, voue une haine féroce contre ceux qu'il considère comme des monstres à visage humain.

Couvertures des tomes 1 à 6 - Cliquez pour agrandir

Matsuri Hino signe avec Vampire Knight son plus grand chef d'œuvre. A la lecture de cette série on ressent la passion et l'intensité de sa réflexion. Le déroulement de l'histoire est fluide, elle nous amène subtilement à nous poser une foule de questions. Elle y répond par bribes au fil des tomes mais souvent la réponse apporte avec elle une floppée d'autres interrogations. Nous sommes pris dans l'intrigue et l'auteur joue avec nos nerfs. Le suspense grandit à chaque page et avec lui la souffrance des personnages.

Drames, tourments et destins maudits

Que ce soit la jolie et tendre Yuuki, l'énigmatique Kaname ou le taciturne Zero, tous les personnages possèdent des traits de caractère et une histoire qui leur est propre. La mangaka commence son récit en mettant l'accent sur Zero. C'est le personnage que l'on connait le mieux pour le moment. Zero apparaît comme la victime d'un complot qui le dépasse. Attaqué dans son enfance par Shizuka : un vampire de sang pur qui a aussi tué ses parents. Cette morsure le transformera lentement mais irrémédiablement en vampire, plus précisément en level E. Zero lutte depuis ce jour maudit où ses parents ont perdu la vie, pour ne pas sombrer et devenir un de ses êtres sanguinaires qu'il exècre tant. Ses sentiments deviennent alors clairs à nos yeux et sa répulsion envers les vampires s'explique. Son combat contre sa lente dégénérescence en level E le rende attachant.

A travers l'histoire de Zero, Matsuri Hino nous dévoile subtilement les jeux d'influence et les différents groupes qui interviendront dans son récit. Elle nous fait découvrir l'existence du Sénat des vampires, l'association des vampires Hunter ou la race « à part » des sang pur. L'Académie apparaît alors comme un havre de paix à l'équilibre fragile qui ne résiste aux pressions extérieures rien que par la volonté de Kaname Kuran. Celui-ci a l'air de porter sur ses épaules le poids de sa race. Le lecteur soupçonne une vengeance dans laquelle l'Académie serait un outil mais sans savoir pourquoi. Kaname est un personnage sombre et ambigu, tout comme sa relation avec la gentille Yuuki. Nous voyons le profond attachement qu'il a envers la jeune fille mais sans comprendre en quoi elle est si exceptionnelle à ses yeux. La réponse nous sera sans doute donnée lorsque la mangaka nous dévoilera le passé oublié de la jeune fille.

Une violence latente

La cohabitation entre deux races que tout oppose est un thème plus proche du shônen que du shôjo. En effet, l'Académie Cross et la coexistence entre ses deux classes répondent du désir un peu utopique de son directeur de réconcilier deux races ennemies par nature. Nous nous rendons assez vite compte qu'à part lui et sa fille, personne ne partage cet idéal. Zero a trop souffert pour pardonner à ceux qu'ils jugent responsables de la mort de ses parents et de son calvaire actuel. Les élèves de la night class se tiennent à carreau et acceptent de substituer les « blood tablets » insipides au sang humain uniquement par respect pour la volonté de Kaname. Celui-ci est si énigmatique que l'on se demande qu'elles sont réellement ses véritables intentions et quel place l'Académie tient dans ses propres desseins.

Le monde des vampires semble très structuré avec une hiérarchie si importante que les sangs purs peuvent apparaître tout puissants. Pourtant, il n'en est rien. A la mort de Shizuka, il est fait mention d'un ennemi responsable de tous les événements qui ont accablé Zero. Nous ne savons pas de qui il s'agit mais nous comprenons qu'il tire les ficelles dans l'ombre. Shizuka mais aussi les parents de Zero n'étaient en réalité que de vulgaires instruments qu'il a utilisés à des fins inconnues. Encore une fois, Matsuri Hino se rapproche de la mince frontière entre shôjo et shônen. Elle n'hésite pas à coucher sur le papier des scènes d'une rare violence comme celle de la mort de Shizuka, pour ensuite enchainer sur des dessins remplis d'émotion.

Émotions, sentiments et sensualité

Malgré les éclaboussures de sang et la violence sous-jacente de certaines vignettes, l'amatrice de shôjo sera comblée par la lecture de cette série. Même si Matsuri Hino sors des sentiers battus par certains aspects elle reste tout de même fidèle aux codes du shôjo. La mangaka adopte un rythme qui n'est en rien semblable à celui des shônen. Elle prend son temps pour poser les bases de son récit et des relations entre les personnages. Elle insiste sur les visages, les expressions, dévoilant avec subtilité les moindres tourments et pensées de ses héros.

Vous l'aurez sans doute remarqué, Yuuki, Zero et Kaname forment le traditionnel triangle amoureux. Les sentiments bien qu'encore secondaires sont perceptibles et viennent donner une nouvelle profondeur à l'intrigue pour le plus grand plaisir des lectrices avides de romantisme et d'émotions.

Avec un coup de crayon comme nul autre pareil, Matsuri Hino nous ravira les yeux et nous submergera d'émotions puissantes et variées. Vu le travail effectué par la mangaka sur ses héros, il est impossible de ne rien ressentir à leur égard. Haine, pitié, admiration ou amour sont autant de sentiments qui nous assailliront à la lecture de ce manga. Certains verront en Zero un être fragile à protéger alors que d'autre lui préféreront la force d'esprit de Kaname. D'autres encore seront attirés par la douceur de Yuuki. Quelque soient nos préférences nous nous attacherons fatalement à l'un ou l'autre des personnages.

Ajoutons aussi une pointe de sensualité donnée aux scènes de morsure et des dessins d'une rare beauté, on ne peut pas s'y tromper, Vampire Knight est un pur shôjo comme nous les aimons.

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Editions : Panini
Auteur : Matsuri Hino
Prix : 6,95€
Une série animée est sortie au Japon cette année.

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Un article de Carolus

Photographie : Kimiko Yoshida - entre dissimulation et révélation

samanga — Wed, 17 Sep 2008 21:22:00 +0100

« Tout ce qui n'est pas moi m'intéresse » avoue Kimiko Yoshida. N'est ce pas paradoxal pour une artiste qui ne réalise quasiment que des autoportraits?

Kimiko Yoshida est une photographe qui joue avec les contrastes et les paradoxes. Cacher pour mieux dévoiler. Cette japonaise, née à Tokyo en 1963, a vécu une enfance douloureuse qui ressortira dans son travail. « J'ai fui le Japon parce que j'étais morte. Je me suis réfugiée en France pour échapper à ce deuil. Mon désir est d'Être là où je ne pense pas être. »

Reconnue dans le monde de la photographie mais encore inconnue pour moi il y a peu, Kimiko Yoshida est une artiste que j'affectionne. J'ai reçu un véritable choc en découvrant ses œuvres. Je suis littéralement tombée amoureuse de la beauté de ses clichés. Je me devais donc de vous faire partager ce sentiment en vous présentant cette galerie d'autoportraits tous plus beaux et singuliers les uns que les autres.

Kimiko Yoshida se cache et se dévoile à la fois dans des clichés où chaque détail est pensé, travaillé et intégré dans un tout. Sa peau fardée de couleur se fond dans le décor. On ne sait plus vraiment où se situe la limite. L'accessoire, partie prenante de la création devient alors le centre de notre attention. L'être humain disparaît et devient à son tour accessoire. Cette perpétuelle recherche du paradoxe, l'audace de cette artiste m'ont séduite.

Au delà de la simple prise de vue, l'oeuvre de Kimiko Yoshida nous parle. Elle s'exprime en des mots compréhensibles. L'art contemporain où l'abstraction est souvent de mise, m'apparaît alors comme accessible. Le message de Kimiko m'atteint et me frappe dans ma sensibilité de femme. Je la comprends et je l'apprécie.

Je ne pense pas être la seule. Kimiko Yoshida, japonaise de naissance a su s'affranchir des codes de la vie nipponne. Son art parle de cultures, ethnies, époques si différentes que tout un chacun peut se retrouver dans la multitude de photographies qu'elle a créée.

Qui mieux que l'auteur lui-même peut parler de ces œuvres ? Le site de l'artiste regorge de citations et commentaires passionnants. J'ai choisi quelques extraits pour vous faire connaître la femme autant que l'artiste. (Tous les textes et images sont issus de son site officiel.)

"DÉFAIRE À L’ENVERS LA HANTISE DE L’ENFANCE

J’ai fui le Japon, parce que j’étais morte. Je me suis réfugiée en France, pour échapper à ce deuil. Un jour, quand j’avais trois ans, ma mère m’avait mise à la porte. J’ai quitté la maison en emportant une boîte avec tous mes trésors. Je me suis réfugiée dans un jardin public. La police m’a retrouvée là, le lendemain. Depuis, je me suis toujours sentie nomade, vagabonde, fugitive. Quand je suis arrivée en France, j’ai dû apprendre la langue comme une enfant qui venait de naître.

Avec les significations nouvelles que j’ai gagnées en changeant de culture, avec la liberté que m’autorisent la langue et les structures de la pensée françaises, je réalise aujourd’hui des photos de « mariées célibataires » où se défait, mais à l’envers, la hantise de la petite fille horrifiée qui découvrit la servitude ancestrale du mariage arrangé et le destin humilié des femmes japonaises. Comment oublier cette confidence de ma mère quand j’avais huit ans et qui me fit tellement horreur ? Je découvris soudain que mes parents s’étaient vus pour la première fois le jour du mariage qui avait été intégralement arrangé par leurs familles respectives. Aujourd’hui, en une succession de figures sans doute conjuratoires, j’incarne une mariée paradoxale, intangible et célibataire, aux identités simultanément dramatiques, fictives, subtiles, parodiques et contradictoires. Dans une sorte de dépassement de ce qui fut mon expérience de créatrice de mode à Tokyo, je crée toutes sortes d’autoportraits quasi monochromes pour mettre en scène le mariage virtuel de la mariée célibataire, tour à tour veuve, cosmonaute, chinoise, manga, égyptienne, etc."

The Shinto Bride. 2002

"En regardant vers la monochromie, là où se déterminent les significations du diaphane, de l’immatériel ou de l’intangible, chacun de mes autoportraits se présente comme une émergence, un effacement. Cette représentation paradoxale d’une figure qui tend à disparaître, s’évanouir ou se fondre dans la monochromie vise à un impossible, une impuissance, une précarité. C’est cet effet d’incomplétude qui rejette la signification ultime de l’image dans un au-delà de l’image. Il y a là une ambiguïté qui tient à cette distance incomblable entre le regard et son objet, à cet abîme où se découvre et s’assombrit la signification de toute représentation. Mon art ne porte pas sur l’identité, mais sur l’identification. La question qui se pose n’est pas : « Qui suis-je ? », mais plutôt : « Combien suis-je ? » Au total, je regarde mon autoportrait avec une sorte d’inquiétude comme une pure image, c’est-à-dire comme une puissance fascinatoire et terrible, que sa signification projette hors d’elle-même."

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Légende :
1. The green tea Bride. 2006
2. The Sakura Bride. 2006
3. The Mao Bride. 2006
4. The Bride with a nô Mask. 2005
5. The Red Akamba Bride with Kikuyu Earings, Kenya. 2005
5. The Black Akha Bride, Thailand. Self-portrait. 2004

"La couleur monochrome érotise le regard. Elle est une pure figure de la durée ou se dissolvent l’image et le récit. Cette recherche de la monochromie est une réflexion sur les instants successifs de l’identité,un travail sur l’effacement de moi même dans le ressurgissement de l’image de moi. Le monochrome délivre un infini chromatique qui est un infini temporel."

"Chaque photographie est une cérémonie de la disparition. Mes autoportraits sont des natures mortes. Ce que je montre, c’est l’image d’un cadavre."

Absence, Tribute to Yves Klein. Self-portrait, 2007

Self-portrait with a Comma. Pollock's Silver Dripping, 2005
Une oeuvre coup de coeur : Le pavillon d'argent

Cliquer pour accéder aux détails et explications

Petit plus :

Site de Kimiko Yoshida
Interview video réalisée par le site www.photographie.com

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Un article de Carolus

Beck : un manga rock à lire et à écouter à fond !

samanga — Fri, 08 Aug 2008 20:08:00 +0100

Créer un manga sur un groupe de musique est un pari osé vu que l'auteur ne peut pas utiliser les sons. Il est difficile de décrire l'intensité d'un morceau ou d'une voix uniquement à l'aide d'image et de quelques mots. Pourtant avec Beck, Harold Sakuishi a relevé ce défi.

Est ce que Beck est "le premier manga à lire et à écouter à fond" comme le prétend son éditeur français : Delcourt.

Comment le mangaka réussit-il à capter l'attention de son lecteur sans musique?

Avec un chara design particulier qui ne plaira pas à tout le monde et un dessin épuré pour ne pas dire simpliste, il paraitrait assez improbable que le point fort de Beck réside dans ses graphismes. Et pourtant...

Pour moi, Harold Sakuishi n'est pas le meilleur dessinateur qui soit. Ses planches sont souvent ponctuées de multiples défauts. Le chara design est quelconque, voire même laid pour certains personnages. Je n'aime pas la façon dont il représente les yeux, notamment ceux de Ryûsuke. Les paupières sont trop saillantes, les yeux paraissent à moitié fermés. J'ai aussi noté quelques soucis de proportions car les têtes semblent souvent trop petites au vue du reste du corps.

Néanmoins je persiste à dire que les graphismes sont un atout pour ce manga. Ce n'est pas tant le trait du dessinateur en lui même qui donne un avantage à cette série mais plutôt comment sont mis en scène les personnages. L'auteur ne représente quasiment jamais de décors. On pourrait penser que c'est un tort, pourtant l'absence d'arrière plan nous permet de nous focaliser sur le personnage et surtout ses expressions. La façon dont le mangaka les dessine ne remportera pas l'unanimité, à cause des bouches et des yeux démesurés mais au moins on comprend parfaitement le message qu'il a voulu faire passer.

Ryûsuke
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Les pages où l'on voit un concert sont remarquables. L'auteur passe en revue chacun des membres du groupe en retransmettant admirablement l'intensité et la passion qui se dégagent de leur musique. Il alterne entre des gros plans sur le groupe (en y accordant parfois une page entière) et des cases sur le public en liesse, béat d'admiration. Les musiciens paraissent en transe, tant la sueur coule sur leur front. Leurs mouvements sont similés par des mains aux contours flous et leur visage concentré prouve à quel point ils aiment la musique. Encore une fois, il n'y a pas de décors, seulement des hachures pour donner du dynamisme. Les textes sont la plupart du temps absents hormis quelques rares onomatopées évoquant le son d'une guitare ou les cris de la foule. Notre attention ne peut alors, que se porter sur les visages.

Koyuki
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Même si Harold Sakuishi réussit à simuler avec brio la passion de la musique éprouvée par ses cinq garçons, cela ne suffirait pas à nous captiver si son histoire n'était pas à la hauteur.

Tanaka Yukio (surnommé Koyuki) est un jeune collégien de 14 ans, tout ce qu'il y a de plus banal. Il n'a aucun talent particulier et peu d'amis. Un soir après s'être fait tabasser par une bande de voyous, il prend la défense d'un chien très bizarre qui se faisait pourchasser par des gamins mal intentionnés. Il fait alors la connaissance de son maitre : Minami Ryuusuke. C'est alors que la vie de Yukio va s'en trouver bouleversée. Grâce à l'amitié et au soutien de Ryuusuke, il va apprendre la guitare et intégré le groupe de musique créé par son ami : Beck.

Sous ces apparences de shônen classique, Beck recèle de diverses qualités. Nous sommes bien en présence d'un héros sans personnalité affirmée ni talent particulier qui va se découvrir un attrait pour le rock et qui, dès lors, va chercher sans relâche, à s'améliorer dans ce domaine. Sa rencontre avec Ryûsuke va agir comme un catalyseur. Koyuki va changer, murir, évoluer. Ses goûts et sa personnalité vont s'affirmer.

Ce qui marque et attire dans ce manga c'est son coté réaliste, la façon dont on peut s'identifier aux personnages. Autant les dessins des visages sont expressifs, à la limite de la caricature, autant leurs réactions et sentiments sont proches des nôtres. Tous ont un caractère qui leur est propre.

Koyuki. (Yukio Tanaka)En tant que héros c'est le personnage qui subira le plus d'évolutions. Il va prendre sa vie en main et cesser d'être une victime. Il est gentil et ne supporte pas les injustices. Son bon cœur le poussera même à prendre la défense d'autres personnes qui ne lui rendront jamais la pareille. De fan d'une idol japonaise, il va devenir passionné de musique rock. Son acharnement lui permettra d'apprendre à jouer de la guitare en un temps record. Il est aussi un excellent nageur grâce aux cours de M Saito.
Dans Beck, il est à la fois guitariste et chanteur. Sa voix douce et mélodieuse lui permet d'interpréter les balades.

Ryûsuke Minami. Contrairement à Koyuki, Ryûsuke a déjà une personnalité affirmée dès le début. Il est sûr de lui et sait ce qu'il veut malgré son âge. Son rêve est de monter le meilleur groupe de musique. Sous ces airs de « mec cool » il cache un grand sens de la justice. C'est d'ailleurs pour cela que Koyuki attirera son attention. Ce personnage est aussi le « Don Juan » du groupe, celui qui collectionne les conquêtes d'un soir et fait pleurer les demoiselles.

C'est le guitariste du groupe. Ryûsuke est un génie, il est capable de faire passer des émotions rien qu'en faisant vibrer les cordes de son instrument.

Yoshiyuki Taira. C'est le membre le plus âgé du groupe. Il est calme, posé et mature. Ce caractère le rend très lucide et raisonnable. Par contre, il est aussi très franc et n'hésite pas à dire les vérités même si elles sont blessantes. Il est depuis toujours à la recherche d'un groupe où l'alchimie entre les membres est exceptionnelle. Peu bavard, il ne dit pas grand chose sur lui ou sa vie privée.

Taira est le bassiste mais c'est aussi et surtout un musicien dans l'âme. Il ne conçoit pas sa vie sans la musique. Quoiqu'il advienne, il fera carrière.

Tsunemi Chiba. Chiba est impulsif et bagarreur. Plus jeune, il était souvent la victime des élèves des classes supérieures. Il a donc décidé de se prendre en main et a appris le karaté. Depuis, c'est lui qui vient en aide à tous ceux qui se font martyriser. Koyuki sera d'ailleurs l'un d'eux.

Chiba est le chanteur principal de Beck. Il n'avait aucune attirance pour le chant, il a accepté l'offre de Ryûsuke pour rencontrer des filles. Il s'avéra très dynamique et son talent enflammera les salles de concert.

Saku. (Yuji Sakurai) Passionné de rock depuis longtemps, il sympathisera avec Koyuki dès son arrivée à l'école. Malgré le risque de représailles de la part de Hyodo il persistera à parler à Koyuki. Leur amitié sera dès lors inébranlable. Saku est extrêmement gentil et serviable, ce qui en fait un personnage très attachant.

Saku est le batteur du groupe. Il a appris à jouer seul mais possède un feeling très particulier qui le rend excellent.

Maho Minami. C'est la petite soeur de Ryûsuke. Maho a un caractère bien trempé et n'hésite pas à dire ce qu'elle pense. Mais sous ces airs de jeune fille forte, elle dissimule en réalité une vulnérabilité et une sensibilité très poussées.

Maho veut faire carrière dans le cinéma.

Beck. C'est le chien de Ryûsuke. Il est très bizarre avec ces cicatrices et ses couleurs peu communes. Il apporte un dose d'humour au manga.

M Saitô. C'est un ancien nageur olympique. Il donne des cours à Koyuki. Sa personnalité passe du gentil monsieur bedonnant à celle d'un tyran vulgaire lorsqu'il enseigne la natation. Passionné de rock anglais et guitariste, c'est lui qui aidera Koyuki lors de ses débuts. C'est aussi le personnage le plus amusant de la série.

Individuellement chaque personnage a un coté attachant mais, une fois réuni dans un même groupe ils le deviennent encore plus. En effet, Beck au delà de l'aspect musical est un manga d'amitié. Les cinq membres du groupe sont soudés et c'est ce qui leur permettra de faire face aux multiples difficultés qu'ils rencontreront sur leur route. Parfois les doutes les assaillent et des tensions apparaissent mais leur amitié est plus forte que tout.

Le réalisme du manga ne s'arrête pas aux personnalités et aux sentiments de ses personnages. Le style de narration aussi joue un rôle. L'histoire du groupe passe tout autant par le récit des répétitions, des concerts et des efforts faits pour faire connaître Beck, que par la description des journées de chacun de ses membres. L'auteur passe autant de temps à décrire une journée au lycée qu'un concert. La vie quotidienne avec son lot d'aléas, de coups durs ou de joies est aussi importante que les démonstrations scéniques. Le mangaka insiste sur ce point pour nous montrer combien les membres de Beck triment pour gagner l'argent nécessaire à la survie du groupe, tout en assurant leur scolarité et un semblant de vie privée.

D'ailleurs, Harold Sakuishi nous gratifie même d'une gentille histoire de cœur. Les sentiments naissent petit à petit puis on assiste aux débuts d'une idylle avec son lot de doutes, de bonheur et de petits malheurs. Il nous dépeint une histoire touchante de réalisme.

Pour ancrer d'avantage son histoire dans notre monde, l'auteur parsème son récit de petits clins d'oeil à des objets, marques ou personnes connues. Il évoque aussi à de nombreuses reprises des noms de star du rock qui existent réellement.

Le lecteur se sent impliqué, il est spectateur du récit. Les dessins contribuent fortement à lui donner cette impression. Le mangaka dessine fréquemment des vignettes où aucun personnage n'apparaît. Il représente le ciel, le bâtiment où se déroule l'action, les escaliers qui descendent au live house où se produit Beck, comme une invitation à entrer. Il aime aussi faire des gros plans sur le chien Beck, ce qui n'est pas pour me déplaire, tant il est amusant.

Ce manga pourrait très bien décrire une histoire vraie mais le ton reste frais et plaisant. L'humour est omniprésent, par le style caricatural des dessins, par la présence de Beck et de M Saitô à la personnalité débridée.

Ce manga nous permet d'en apprendre plus sur le monde de la musique au Japon et dans le monde. Il met en exergue les jeux d'influence et la domination des gros labels. Beck se pose comme le groupe qui va résister. Ils vont chercher à s'imposer sur la scène musicale envers et contre tout. L'univers de la musique devient alors un monde manichéïste où s'affronte d'un coté l'argent et la pop soutenue par les labels et de l'autre Beck et les adorateurs du rock traditionnel. En effet, par leur volonté de rester eux mêmes, de faire la musique qu'ils aiment et de vouloir privilégier les sentiments et les émotions à la popularité, Beck va conquérir le cœur de certains fans de « bonne » musique. Ce succès ne va pas plaire à tout le monde et le groupe va s'attirer les foudres de gens influant dans ce milieu.

On peut se demander jusqu'à quel point Harold Sakuishi ne profite pas de ce manga pour critiquer le milieu de la musique.

Beck est le manga que je préfère. Malgré ses graphismes particuliers le mangaka nous entraîne dans son histoire. Nos cœurs palpitent au rythme de la musique et nos mains tournent les pages avec véhémence. Nous espérons tous qu'un jour Beck réussisse à s'imposer sur la scène musicale et à faire reconnaître la suprématie du rock, pur et véritable.

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Editions : Delcourt
Auteur : Harold Sakuishi
Prix : 7,50€
Anime : Kaze

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Un article de Carolus

Manga : Skip Beat - de la haine au show business

samanga — Thu, 24 Jul 2008 08:25:00 +0100

Nana, Beck, Paradise Kiss, Nosatsu Junkie ou Walkin' Butterfly sont autant de titres dont le thème tourne autour du show business, de la musique ou du mannequinat. Dans tous ces mangas les héros sont à la recherche de la célébrité. Est-il encore possible de séduire le public, de le surprendre alors que les mangas sur le monde du showbiz pullulent ? Yoshiki Nakamura nous prouve que oui avec sa nouvelle série : Skip Beat.

Kyôko Mogami est une amie comme on aimerait tous en avoir. Elle n'hésite pas à sacrifier son bien être personnel et à cumuler deux emplois pour permettre à Shô Fuwa, son ami d'enfance, de réaliser son rêve. Ils ont fuit tous les deux leur ville natale à la fin du collège pour que Shô puisse tenter sa chance dans le show business, à Tokyo. Lorsque Kyôko découvre par hasard que Shô l'a utilisée pour qu'elle subvienne à leurs besoins et qu'elle s'occupe de lui, elle entre dans une colère noire. Elle n'a plus qu'une idée en tête : se venger. Elle va prouver à Shô qu'elle n'est pas une incapable et qu'elle aussi peut devenir célèbre. C'est ainsi qu'elle va frapper à la porte de la prestigieuse agence LME production, celle où Ren Tsuruga, le rival de Shô travaille, et passer une audition.

Recto Verso du manga Skip Beat
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Une héroïne, deux hommes, à croire que Skip Beat est un shôjo des plus classiques... mais il n'en est rien. C'est en réalité un joli condensé d'innovations.

Les relations entre les différents personnages sont très atypiques. Kyôko va voir ses sentiments envers Shô passer d'une extrême à l'autre. D'amie soumise et attentionnée, elle va devenir son ennemie jurée, nourrissant contre lui une vengeance insatiable. Les gentils petits anges vont faire place à d'horribles démons dans les pensées de Kyôko.

Sa détermination à réussir à tout prix dans le show business n'aura d'égal que la haine qu'elle éprouve envers celui qu'elle adulait peu de temps auparavant. Et nous, en tant que lecteur on s'amuse et on rit de cette pauvre Kyôko. Son attitude et son comportement sont tellement caricaturaux qu'on ne peut faire autrement que de sourire.

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Habituellement les mangas relatant des histoires sur le show business nous présentent des héros qui ont un don et qui vont se démener pour le faire reconnaître. Les motivations de Kyôko sont toutes autres. Sa soif de vengeance va la pousser dans ce monde totalement inconnu et qui ne l'attirait pas de prime abord. Comme dans ces relations avec Shô sa prestation lors de l'audition va nous faire rire. Comment une jeune fille qui ne s'est jamais intéressée au monde du spectacle peut-elle réussir une audition ? Ainsi notre héroïne va t-elle devoir faire preuve d'ingéniosité voire même d'extravagances pour sortir du lot face à des concurrentes toutes plus jolies les unes que les autres. C'est son naturel et sa spontanéité qui feront mouche.

Scans du manga Skip Beat
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Outre ce scénario sortant de l'ordinaire et cette héroïne aussi amusante qu'attachante, Skip Beat recèle d'autres qualités au niveau des dessins et du style. Pour que l'histoire nous amuse, les dessins se doivent de véhiculer le même genre d'humour. On retrouve donc dans chaque vignette des dessins à la limite de la caricature. Kyôko passe pour une folle à de nombreuses reprises aux yeux des autres personnages ou des passants. Les expressions faciales sont très travaillées de façon à bien mettre en évidence le degré de haine et la détermination de l'héroïne.

Une adaptation animée est en cours au Japon. Sa création a été confiée au studio Hal Film Maker.

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Editions : Casterman
Auteur : Yoshiki NAKAMURA
Prix : 5,95 €
Titres : Tome 1 - Tome 2

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Un article de Carolus

Manga : Mushishi - la poésie de la nature

samanga — Mon, 21 Jul 2008 00:06:00 +0100

Poésie, beauté, calme, sérénité, plénitude, enchantement, etc... La liste de mots qui pourrait qualifier le formidable manga qu'est Mushishi serait longue si on devait la dresser. Mushishi est un manga sans nul autre pareil qui a su me charmer malgré mon scepticisme initial. Laissez moi vous faire entrer dans un monde empreint de mélancolie où la nature est reine et la beauté sans pareil.

Mushishi fait tomber la barrière de nos préjugés. Qui pourrait penser que seinen puisse rimer avec charme et beauté, là où l'habitude est de nous montrer des mondes apocalyptiques pleins de violence, de sexe et de sang. Au contraire, ce manga nous apporte la petite touche de poésie qui nous fait souvent défaut dans notre quotidien.

Couvertures des tomes 1 à 3
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Ne cherchez ni action, ni combat, ni même de la romance, le rythme est lent, les petites histoires s'enchainent déversant en nous un flot de sentiments à la fois romantiques et mélancoliques. Parfois elles sont joyeuses, parfois tristes voire dramatiques mais elles sont toujours belles.

L'auteur nous fait découvrir une autre facette de la nature : une nature inconnue, mystérieuse, un peu inquiétante mais tellement fascinante. Cette sensation est très nettement renforcée par les dessins. Bien qu'il ne soit pas de qualité constante et que le chara design soit assez quelconque, l'organisation des cases accentue le poids donné à la nature. Les détails sont bien mis en valeur et les vignettes avec un gros plan sur un paysage, ou un élément de la nature sont courantes. Quelques pages en couleur sur papier glacé s'insèrent de ci de là dans chaque ouvrage. Les dessins prennent alors un aspect d'aquarelle.

Nous suivons les aventures de Ginko, un mushishi. Il possède un don, celui de voir les mushi (insecte en japonais). Ce sont des créatures invisibles pour le commun des mortels. Elles vivent dans notre monde et interagissent avec les êtres humains. Parfois la cohabitation est bénéfique mais parfois les mushis s'avèrent être nuisibles pour l'homme. C'est alors aux mushishis d'agir. Au fil du voyage de Ginko nous faisons la connaissance de nouveaux personnages à qui ont fini par s'attacher pour ensuite les quitter et en rencontrer d'autres.

Finalement on se rend compte que le personnage que l'on connait le moins c'est Ginko. L'auteur fait planer un mystère autour de son héros. Les non dits piquent notre curiosité et nous donnent envie d'en connaître d'avantage sur un homme qui paraît terriblement moderne dans un Japon si traditionnel.

Toutes les histoires sont en fait un moyen de pousser le lecteur à s'interroger sur des sujets beaucoup plus profonds.

Laissez moi vous conter l'histoire qui m'a le plus marquée pour expliquer quel genre de message la mangaka fait passer dans son récit. Elle s'intitule le grain lourd. Quand un désastre naturel frappe les rizières d'un village à la terre pourtant peu fertile, la récolte est toujours exceptionnelle. Mais cette année là il y a toujours quelqu'un chez qui une nouvelle dent pousse à l'automne. A la fin de l'automne cette « dent de vieillesse » tombe et la personne meurt. En réalité celui que l'on nomme le maitre des célébrations plante « le grain lourd » chaque année où la famine menace. Ce grain assurera une bonne récolte au village. Une personne va devoir mourir mais plusieurs autres vies seront ainsi épargnées. Derrière cette histoire de mushi, l'auteur nous fait réfléchir au prix de la vie. Est ce que le sacrifice d'une vie peut être justifié s'il permet d'en sauver d'autres ?

Derrière les parasites se cachent les bassesses et les défauts de l'être humain. Par ces petites anecdotes, Yuki Urushibara nous dépeint un portrait de l'humanité. Aucune réponse préconçue ni morale ne nous est donnée à la fin de chaque récit, c'est à nous de les trouver en chacun de nous. On pourra se sentir déstabilisé voire mal à l'aise mais quoiqu'il en soit on ne pourra rester insensible. Une multitude de sentiments et de questions nous assaillent à la lecture de ce petit bijou.

Petit plus :

Mushishi c'est un manga toujours en cours de parution au Japon, mais c'est aussi un anime encore inédit en France, un film live et un jeu video de simulation de vie.

Affiche du film Mushishi
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Mushishi, le manga a été récompensé par le prestigieux prix Kodansha.

En France, Mushishi est édité chez Kana (collection Big Kana)

Un article de Carolus

Dreamseekers un manga à la française

samanga — Fri, 11 Jul 2008 16:30:00 +0100

Au cours de mes déambulations au sein du parc des expositions de Villepinte dimanche dernier (à Japan Expo), je suis tombée par hasard sur le stand des éditions Paquet. Un jeune mangaka s'affairait sur un dessin pour une dédicace. Piquée par la curiosité, je me suis approchée pour feuilleter un volume aux couleurs violines plutôt attrayantes. Dès les premières pages je suis tombée sous le charme et je me suis laissée tenter par ce manga bien de chez nous ! Laissez-moi donc vous présenter ce petit bijou made in France : Dreamseekers

Couverture du manga Dreamseekers
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Le dessin un peu désuet mais très soigné m'a plu d'emblée. L'influence du manga japonnais y est dominante mais certains personnages ne sont pas sans rappeler le dessin de la bande dessinée occidentale. Temaris et ses habitants ne ressemblent en rien aux décors et personnages que l'on trouve habituellement dans les mangas. La petite touche japonaise se retrouve plutôt dans les attitudes et les expressions faciales. Ce mélange des genres donne à cette œuvre une ambiance particulière. Autant je suis enthousiaste vis à vis du chara design et des décors autant je ne suis pas convaincue par le dessin des monstres que je trouve peu original et confus.

Scanns du manga Dreamseekers
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Dreamseekers nous narre l'histoire de Trem, un terrien projeté dans un monde appelé Temaris. Les habitants peuvent y matérialiser leurs rêves par le biais de la pensée. On pourrait croire que ce monde est paradisiaque puisque tous les désirs peuvent devenir réalité mais il n'en est rien. Il y règne en fait de terribles tensions et Trem va se retrouver malgré lui enrôlé dans l'armée en vue de devenir une arme onirique. Malheureusement pour lui, il ne parvient pas à contrôler ses rêves et très vite ses pensées vont tourner au cauchemar.

Dès les premières pages le lecteur est happé par le rythme de l'histoire. La façon dont Trem quitte la Terre pour Temaris m'a laissée perplexe, j'aurais souhaité un peu plus d'originalité. La suite de l'histoire me donnera entière satisfaction. Ce premier tome se lit facilement, rapidement, les événements s'enchainent sans nous laisser le temps de souffler. J'ai apprécié. Le style de narration est simple ce qui le rend efficace. L'auteur a opté pour l'action peut être au détriment de la psychologie des personnages. Après avoir refermé ce volume on en sait assez peu sur les protagonistes. J'espère que les autres tomes nous permettront d'en apprendre d'avantage.

L'auteur en quelques mots :

Bruno Tran est né à Antony, en région parisienne. Après des études d'arts appliqués, il se consacre à sa passion: la BD!
Il rejoint un groupe d’amis passionnés et aspirant, comme lui, à devenir auteurs. Ils forment un atelier, la Lune Verte (certains diront une secte!), où la motivation est forte, et où la passion reste prédominante. Après moult pérégrinations, il se focalise sur le manga dont il est un grand fan. Ses séries préférées sont “Berserk“, “GTO“, “One Piece“ et “Blame“. C’est donc tout naturellement qu’il décide de réaliser sa première série dans un format manga, car la pagination importante répond à ses envies d’ambiances. Amoureux du Japon, il souhaite malgré tout donner une identité européenne à son récit, en gardant un sens de lecture français.

Pour en savoir plus sur cette œuvre :

Blog Dreamseekers
Editions Paquet

Un article par Carolus

Sho U Tajima et Eiji Otsuka La beauté de l'horreur

samanga — Sun, 01 Jun 2008 17:36:00 +0100

Actuellement nous avons la chance de découvrir dans les rayons de nos librairies plusieurs séries de jeunesse de mangakas reconnus. C'est le cas de Madara, oeuvre conjointe du scénariste Eiji Otsuka et du dessinateur Sho-U Tajima. C'est sur cette première série que les artistes ont collaboré. On les retrouvera quelques années plus tard avec le génialissime MPD Psycho.

Analyse croisée de deux œuvres réalisées par un duo hors paire...

De la quête initiatique au thriller psychologique

Dans Madara les deux mangakas ont suivi le schéma traditionnel des shônen en nous relatant une quête initiatique. La série ne compte que 5 volumes, l'action s'enchaine donc sans temps mort. On ne s'attarde pas sur la psychologie des personnages. L'important est de voir le héros gagner en puissance à une vitesse incroyable.

Dans MPD psycho c'est au contraire la psychologie qui est au centre du manga. Précisons que ce manga appartient à la catégorie des seinen : manga pour adulte. Eiji Otsuka nous donne des indices, et nous embrouille tour à tour. Nous sommes manipulés comme des pantins au fil de sa plume. Le scénario ne ressemblant à aucun autre est extrêmement recherché. Alors qu'on pourrait croire qu'il ne s'agit que d'une succession de crimes tous plus affreux les uns que les autres, commis par des psychopathes très imaginatifs, on découvre qu'en fait ils ont tous un lien très étroit. Quelques rares indications nous sont données au fil des tomes pour nous maintenir en haleine.

Quand le gore devient beau

L'originalité de Madara ne se situe pas dans son scénario mais elle est plutôt à chercher du coté des dessins. Là où la majorité des shônen ne font qu'évoquer la mort sans la mettre en scène de façon explicite, Madara nous montre les têtes qui volent et le sang qui gicle. Même si Sho-U Tajima n'a pas encore atteint le degré de perfection de MPD Psycho, la qualité est déjà au rendez vous.
Pour décrire un style graphique des images sont plus parlantes que des mots.

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Scans de Madara

Même si le taux d'hémoglobine est déjà très présent dans Madara, avec MPD Psycho on atteint un paroxysme. Les meurtriers traqués par notre détective schizophrène font preuve d'une imagination sans limite dans l'art de torturer leur victime. Sang, horreur, angoisse sont mises en scène sans aucune retenue. Nous sommes pris à la gorge par la violence des images que nous voyons et pourtant, on en redemande. Les sentiments qui nous assaillent à la lecture de ce manga sont ambigus. Nous sommes à la fois choqués par les images et admiratifs devant tant de créativité. Il fallait penser à planter une graine dans le cerveau de ses victimes pour les faire mourir à petit feu !

Le dessin de Sho-U Tajima a considérablement évolué entre la réalisation de Madara et celle de MPD Psycho. Le trait est fin, les hachures font place à des décors plus soignés. Le mangaka joue sur les contrastes des couleurs. Les chara design sont splendides et les émotions formidablement mises en scène.

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Scans de MPD Psycho

Pour comprendre pourquoi l'accent est mis de façon aussi criante sur les cadavres et les scènes gores, il nous faut nous attarder sur la postface parue dans le premier tome.

Au moment d'entamer la publication de « MPD Psycho », la représentation des cadavres dans ce manga a suscité des réticences au sein du comité éditorial de la maison Kadokawa.

Aussi ne me semble-t-il pas nécessaire de présenter, ici, mon opinion personnelle sur ce sujet aux lecteurs qui ont découverts cette série. A partie des premiers matériaux que je leur avais envoyés en tant que scénariste, la question que soulevèrent les membres du comité éditorial était de savoir s'il était convenable ou non de publier de telles représentations de corps humains dans un magazine destiné à un lectorat d'adolescents. S'agissant d'un problème qui est au coeur de la série, je n'entrerai pas dans les détails... Mais c'est précisement parce qu'il s'agissaiet d'un magazine pour adolescents que j'avais décidé d'écrire un scénario dans lequel la description visuelle des cadavres serait fondamentale.

La question de la représentation du corps humain dans les manga, autrement qu'en tant que simple « code », est un thème que je n'ai cessé d'aborder en tant que critique, comme dans mon ouvrage intitulé « Sengo manga no hyôgen kûkan » (l'espace d'expression du manga d'après guerre), par exemple. A chaque fois que survient un triste fait divers, la faute en est rejetée sur les manga, les dessins animés ou les jeux video... Ces médias sont accusés de traiter de la mort comme un signe abstrait. Cette conclusion déraisonnable nous fâche plus qu'elle ne nous convainc et nous n'y adhérons pas. Mais force est de constater que dans un manga de science fiction qui décrit une catastrophe anéantissant une grande partie de la population terrestre sans montrer un seul cadavre, la mort n'est rien de plus qu'un symbole abstrait.

Mon but premier n'est pas de représenter des corps torturés, mais j'estime que pour pouvoir exprimer mon intention, il était nécessaire de construire un univers où les cadavres existent bel et bien en tant que tels. Si, lorsque la série terminée, des critiques me sont formulées à ce sujet et d'autres, je ne les rejetterai pas.

Outre les nombreux mangas auxquels il a participé Eiji Otsuka a rédigé des nombreux articles et critiques sur la guerre et les médias. Après les meurtres de Tsutomu Miyazaki, il prend position contre l'opinion dominante qui juge les otaku comme des personnes dangereuses. On peut supposer que MPD Psycho tient un rôle dans cet engagement.

Petit plus

Synopsis de Madara

Madara est un enfant maudit. Son père, le roi du mal le priva dès sa naissance des huit chakras qui lui donnaient sa puissance. Pire, l'enfant fut mutilé et jeté à la rivière ! Mais le clan Hijura le récupéra et remplaça tous ses membres pas des pièces mécaniques. 13 ans plus tard, il est temps pour Madara de combattre les huit généraux qui lui ont dérobé ses chakras.

Série parue chez Glénat

Synopsis de MPD Psycho (le détective schizophrène)

Kobayashi Yôsuke est un policier brillant, dont la spécialité de profiler - il établit le portrait psychologique des criminels les plus déviants - fait des merveilles. Un jour, cependant, sa vie bascule : alors qu'il ouvre un colis reçu sur son lieu de travail, il y découvre le corps démembré de sa femme ! Rongé par un désir de vengeance, il traque le meurtrier et, au moment où il le tient, le tue de sang-froid. Ce geste violent n'aura pas seulement pour conséquence d'envoyer Kobayashi en prison : c'est le déclencheur de l'apparition d'une nouvelle personnalité. Désormais, le policier est persuadé qu'il s'appelle Kazuhiko Amamiya et n'a plus aucun souvenir de son identité précédente. Faut-il en conclure que les capacités de profiler hors du commun de l'ancien flic étaient intimement liées à sa nature schizophrène ? Quoi qu'il en soit, sitôt sa peine purgée, Kazuhiko retrouve immédiatement du travail dans la société d'enquêtes criminelles que son ancienne coéquipière vient de créer. Entre deux résolutions de meurtres sordides, il sera surtout à la recherche de sa vraie personnalité...

Série parue chez Senpai

Bibliographie et travaux de Sho-U Tajima

1987 : Madara
1994 : Brothers
1997 : MPD psycho (série en cours)
1999 : jeu video Galerians sur PS2
2003 : Chara design de la séquence animée dans le film Kill Bill
2004 : Chara design pour la série Otogizôshi (inédite en France)

Bibliographie d'Eiji Otsuka (uniquement les mangas disponibles en France)

1987 : Madara
1997 : MPD Psycho
1999 : Leviathan
2000 : Japan
2002 : Kurosagi livraison de cadavres

Sources : Senpai, Glénat Manga, article sur Sho-U Tajima dans Animeland de mai 2008

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Actualité Manga : Death Note en DVD et dédicace à Japan Expo

Dan — Tue, 13 May 2008 17:30:00 +0100

Death Note est devenu un manga incontournable depuis sa première publication au Japon en 2004 dans le magazine Shonen Jump. En France, il est édité chez Kana et se place aussi parmi les meilleures ventes. Fort de ce succès, il est ensuite adapté en film et en série animée de 37 épisodes.
Dans les mangas où les combats et les comédies sentimentales sont monnaie courante, Death Note apparait comme atypique. Il s'agit en effet d'un thriller où les deux personnages principaux se livrent bataille en recourant à de complexes stratégies. Le lecteur est tenu en haleine par un suspense hors du commun. Parallèlement le mangaka l'amène aussi à s'interroger sur les travers de notre société.

Aujourd'hui, encore, Death Note revient au cœur de l'actualité avec deux évènements majeurs...

#1 Death Note en DVD

Depuis le 09 Avril 2008, l'édition animée est disponible chez Kana Home Video. Pour cette sortie Kana n'a pas lésiné sur les moyens en nous proposant le premier coffret (épisodes 1 à 12 répartis sur 3 DVD en VF et VOST) en édition limitée à 4000 exemplaires. Il est proposé à un prix de vente conseillé de 59,99€ (contre 39,99€ pour la version simple) et comporte :
- une figurine de Ryuk, le shinigami (= dieu de la mort)
- une affichette cartonnée de 28x18 cm de Misa
- un livret de 36 pages de croquis
- trois cartes exclusives (disponibles aussi dans la version simple)

Ce coffret vous fait envie? Vous pouvez le gagner en jouant au Jeu Concours
de l'éditeur sur ce lien : Concours Death Note
#2 Takeshi Obata, le dessinateur de Death Note à Japan Expo !

Takeshi Obata s'était déjà fait remarqué pour avoir dessiné la série Hikaru no Go. Son talent et son style s'affirme avec Death Note. Ses personnages sont d'une rare beauté, ses dessins sont très contrastés, comme je les aime, cela facilite la compréhension et permet d'accentuer les détails comme les expressions du visage très importantes dans ce manga.

Illustrations de Death Note par Takeshi Obata
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Le programme de la Japan Expo n'est pas encore dévoilé à l'heure où j'écris ces lignes, je ne peux donc pas encore dire quel jour Obata sera présent.

Petit rappel : La Japan Expo se déroulera sur 4 jours les 3, 4, 5 et 6 juillet 2008 au Parc des expositions Paris Nord Villepinte.

Synopsis
Dans l’au-delà, Ryûk, un dieu de la Mort abandonne par jeu, sur Terre, son Death Note, le cahier qu’il utilise pour mettre fin à la vie des humains. Light, jeune lycéen surdoué le récupère et en découvre les terribles pouvoirs : quiconque voit son nom écrit dans le Death Note meurt instantanément.
Le Destin est en marche…
Avec ce Death Note, Light va entamer un processus d’éradication du Mal et exécuter les criminels du pays. Débute alors un jeu macabre entre Light et L, un mystérieux enquêteur de génie engagé par les autorités…

Les personnages

Yagami Light (Kira) : Il juge les criminels grâce au Death Note. Il veut ainsi construire un nouveau monde où le Mal serait annihilé.

L : C'est un mystérieux enquêteur qui s'est donné pour mission d'arrêter Kira.

Misa : C'est la petite amie de Light. Elle aussi possède un death Note. Light se servira d'elle pour parvenir à ses fins.

Tout comme le manga, l'anime est de très grande qualité. L'histoire suit fidèlement celle de la version papier à quelques rares adaptations près. Ce n'est donc pas de ce coté qu'il faut chercher les plus de la version animée. Le plus gros point fort réside à mon avis dans le choix des doubleurs de la version originale et de la musique hormis les 2èmes génériques que je trouve affreux.

Source : www.mangakana.com

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